Genau das interessiert den Künstler Thomas Gatzemeier. Auf dieser Seite versammelt er Texte über Kunst, die von den frühen Anfängen der Menschheit bis in die Gegenwart reichen – und hinein in jene umstrittenen Kämpfe um Nacktheit, Zensur, Moral und die immer neu verhandelte Frage nach künstlerischer Qualität. Diese Texte sind keine pfleglich ausbalancierten Feuilletonhäppchen, sondern pointierte Reflexionen aus der Werkstatt eines Künstlers, der Kunst nicht beschreibt, sondern erlebt.
Die Nähe zu Otto Dix ist offensichtlich. Seine Kriegsversehrten, seine schonungslosen Körper, die nicht mehr zu verbergen sind – sie bilden einen Hintergrund, vor dem man diese Arbeit sehen muss. Dix zeigt die Verwundung als Konsequenz.
Cranach und Picasso im Vergleich: Venus und Amor als Honigdieb bei Theokrit. Eine präzise Analyse des Motivs von der Renaissance bis zur Moderne.
Matthias Grünewald gilt vielen als früher Expressionist – auch wenn dieser Begriff erst Jahrhunderte später entsteht. Sein Isenheimer Altar zeigt eine Bildsprache, die weniger auf Harmonie als auf Ausdruck zielt.
Cranach Altäre in Mitteldeutschland entdecken: Merseburg, Weimar, Wittenberg und Augustusburg und andere mehr – eine kunsthistorische Reise mit persönlichen Einblicken.
Der Frühling gehört zu den ältesten und stärksten Bildern der menschlichen Vorstellung. Seit jeher steht er für Neubeginn, Wachstum und Hoffnung.
Die Fotografie „Confidential“ von Somy Samani ist 2023 entstanden und doch ein Bild der iranischen Revolution 2026. Blutige Hände als Symbol politischer Verantwortung und Widerstand.
Verschiedentlich – nein, immer häufiger – trifft der Kunstbetrachter heute in Räumen, in denen Kunst eigentlich vor Eingriffen geschützt sein sollte, auf sogenannte künstlerische Interventionen.
Symmetrie begleitet die Kunstgeschichte von Anfang an. Lange bevor sie theoretisch beschrieben wurde, war sie Teil des Sehens selbst. Das menschliche Auge erkennt symmetrische Formen schneller und mit weniger Anstrengung.
Der rote Faden führt durch Mythologie, Kunstgeschichte und Politik. Von Ariadne bis zu Somy Samanis „Le Fil Rouge“ zeigt der Artikel, wie mächtig dieses Symbol ist.
Es gibt Gemälde, die schreien ihre Handlung geradezu heraus. Und es gibt Albrecht Altdorfers „Susanna im Bade“ von 1526 – ein Bild, das sein biblisches Drama so tief im Unterholz versteckt, dass man es beinahe übersieht.
Die „Madonna im Rosenhag“ von Martin Schongauer verbindet Meisterschaft, Naturalismus und Andacht. Warum dieses Altarbild bis heute fasziniert – und Dürer prägte.
Somy Samanis Confession verbindet klassische Porträtkunst mit stillem Protest. Eine Frau im Iran zwischen Schweigen, Schönheit und Stärke. Die Werke von Somy Samani sind selten laut, doch sie hallen lange nach.
ERKENNTNIS! Sowohl Baldung als auch Grünewald verschmelzen Naturalismus und Vision zu einer Bildsprache, in der das Irdische und das Göttliche untrennbar ineinander übergehen.
Der Vintage-Stil kann ein Mittel sein, die Gegenwart zu vertiefen. Seine Fotografien beweisen, dass Kunst nicht laut sein muss, um berührend zu sein.
Von den barocken Stillleben über den Symbolismus und Surrealismus bis in die Gegenwart bleibt der Schmetterling ein faszinierendes Motiv. Er ist Symbol für Metamorphose und Erneuerung.
Natürlich klingt Pop Art Surrealismus zunächst wie ein Widerspruch. Denn die Pop-Art arbeitet mit plakativen Farben und Motiven der Konsumwelt, während der Surrealismus Traum, Unterbewusstes und Irrationales in den Vordergrund rückt.
Die Psychologie der Selbstbetrachtung offenbart, wie Spiegel unser Selbstbild prägen. Kunst und Wahrnehmung verschmelzen zu einer faszinierenden Reflexion.
Wie Künstlerinnen ihr Selbstbild behaupten – zwischen Kunst, Widerstand und Selbstbestimmung. Von Sofonisba bis Somy Samani aus dem Iran. Eine Kunst- und Kulturgeschichte, die nachdenklich macht.
Der laszive Blick in der Kunst gehört zu einer von der Wissenschaft ignorierten Konstanten der Kunstgeschichte. Er ist mehr als ein bloßer Ausdruck von Erotik –
Der Haushalt ist seit Jahrhunderten Bühne und Abgrund zugleich, aber auch immer wieder ein Motiv in der Kunst. Er ist Ort der Reproduktion des Lebens, aber auch jener Bereich, den Kunst und Gesellschaft lange Zeit gering schätzten.
Somy Samanis Flightless – Flugunfähig: Ein stilles Bild über Freiheit und Kontrolle. Schmetterlinge unter dem Eisen – Allegorie zwischen Poesie und Politik.
Künstler und Kunst mit Hund ist ein vielschichtiges Thema. Denn Hunde sagen auch immer etwas über die Menschen, aus, die sie besitzen. Ein interessantes Thema.
Der Tod des Marat – Adaptionen und Neuinterpretationen des Gemäldes von Jacques-Louis David bis in die Gegenwart und Horst Kistners „Grief“ – Marat trifft Samson und Delila
Ist das noch ein religiöses Bild – oder bereits eine politische Inszenierung? Ist das gläubige Bekenntnis – oder Marketing? Und wo bleibt die Malerei – denn Trotz theologischer Deutungsangebote fehlt mir eines: das sogenannte „Herzblut“.
Die evangelisch-lutherische Dorfkirche von Döben, einem kleinen Ort in der Nähe von Grimma in Sachsen, gehört zu den kunst- und kulturhistorisch herausragenden Sakralbauten des Muldentals.
Der wahre Liebhaber der bildenden und schönen Künste sucht bei der Betrachtung von Kunst nicht Spektakel, sondern Stille und innere Einkehr. Dies findet er an diesem außergewöhnlichen Ort.
Was den unvoreingenommenen Betrachter als ästhetisch und kunstvoll – eventuell auch ein wenig süßlich – erscheint, wird in der Gegenwart zunehmend kritisch betrachtet. Ja abgelehnt.
In Gesellschaften, in denen der weibliche Körper politisiert und kontrolliert wird, wird der Akt des Sich-Zeigens zum Akt des Widerstands. Die inszenierte Fotografie der iranischen Künstlerin Somy Samani ist auch ein Zeichen der Zuversicht und der Kraft des Weiblichen.
Erotik, Sinnlichkeit und die Darstellung des menschlichen Körpers sind zentrale Themen der Kunstgeschichte. Von antiken Skulpturen über die idealisierten Akte der Renaissance bis heute zieht sich das Thema wie ein roter Faden durch die Kunst.
Cranachs deutsche Mona Lisa in Weimar ist ein Genuss ohne Menschenmassen. Ich ziehe es vor, Sybille in Weimar ganz in Ruhe und aus nächster Nähe zu betrachten, anstatt mich durch die Touristenmassen des Louvre zu kämpfen,
Wo soll man beginnen, wenn es um die Zuschreibungen längst verstorbener Künstler geht? Einerseits ermöglichen Materialanalysen eine ziemlich genaue Bestimmung der Entstehungszeit eines Werkes sowie der verwendeten Techniken.
Der Spiegel ist nicht nur ein Instrument der Selbsterkenntnis, sondern auch ein Symbol der Wahrheit, der Illusion und der Vergänglichkeit. Kaum ein Objekt hat in der bildenden Kunst eine so ambivalente und tiefgründige Bedeutung wie der Spiegel.
Das Fotostudio von Horst Kistner ist weit mehr als nur ein Arbeitsplatz – es ist ein Kunstwerk für sich. Kistner versteht sich nicht als Künstler im elitären Sinne. Er sieht sich vielmehr als Handwerker mit einer unermüdlichen Liebe zum Detail.
Die Kirche von Rerik ist ein bemerkenswertes Beispiel norddeutscher Backsteingotik an der Ostseeküste und blickt auf eine facettenreiche Bau- und Nutzungsgeschichte zurück, die bis ins Mittelalter reicht.
Dieser Altar wird dem berühmten Renaissance-Maler Lucas Cranach dem Älteren zugeschrieben, und stammt aus der Reformationszeit. Gleichwohl fristet er ein beinahe unbeachtetes Dasein in einer Kapelle des Merseburger Doms.
Eventuell liefen die Angestellten der Kirche auch wegen des unschönen Innenraumes so missmutig herum und waren auf Nachfragen einsilbig. Jesus voller Spinnenweben. Das verheißt nichts Gutes.
Der Weimarer Cranach-Altar in der Kirche St. Peter und Paul, auch Herderkirche genannt, ist ein typisches Werk von Lucas Cranach dem Jüngeren.
Nymphen sind weibliche Naturgeister aus der griechischen und römischen Mythologie. Sie verkörpern Naturkräfte und treten als Begleiterinnen höherer Gottheiten oder selbstständig und selbstbewusst auf.
Die Antike hat in Vögeln mythologische Gestalten gesehen. Der Surrealismus griff dies auf und entwickelt diese Sehweise bis heute weiter. Dabei spielen fast immer Mischwesen eine Rolle.
Gemüse hat seit jeher eine bedeutende Rolle in der Kunst gespielt, von den alten ägyptischen Fresken bis hin zu den zeitgenössischen Installationen.
Das Meer, mit seiner unendlichen Weite, seiner unvorhersehbaren Kraft und seiner zeitlosen Schönheit der Naturgewalten, hat Künstler seit Jahrhunderten fasziniert und inspiriert.
Der Donut als Motiv in der Kunst verkörpert zugleich eine süße Inspiration aber auch Tiefgründigkeit. Es finden sich viele Beispiele für dieses besondere Motiv in der jüngeren Kunst.
Der Pilz hat nicht nur in der bildenden Kunst eine lange und vielschichtige Geschichte als erotisches Symbol. Seine Verwendung als solches reicht weit zurück und ist in verschiedenen Kulturen und Epochen zu finden.
Die inszenierte Fotografie beschreibt eine Form der Fotografie, bei der sich der Fotograf bewusst und aktiv ein eigenes Bild schafft, das kompositorisch entsteht wie ein Gemälde oder eine Installation.
Da man früher noch Ideale hatte und haben durfte, war auch die ästhetische Schönheit von Aglaia, Euphrosyne und Thalia eine Ideale und wurde nicht infrage gestellt.
Letztendlich musste sich der auf „Abstrakt“ getrimmte Kunstbetrieb der westdeutschen Nachkriegszeit wegen Dix ein wenig verbiegen.
Thematische Ausstellungen sind eine kuratorische Bemühung, um Kunst einer möglichst breiten Masse nahe zu bringen und haben gelegentlich einen besonderen Reiz, weil man Werke findet, die man so noch nicht sah.
So groß die größten Orgeln auch sein mögen, das größte Instrument der Welt ist und bleibt die uns umgebende Atmosphäre. Freilich versucht sich der Mensch an des Donners Klang und möchte diesen zumindest nachahmen.
Das Wallraf-Richartz-Museum in Köln widmete vom Oktober 2022 bis zum Februar 2023 eine Ausstellung allein dem Thema Susanna im Bade. GELUNGEN!
Unweigerlich muss man an opulente italienische Opern denken, wenn man die Grablege der Wettiner im Freiberger Dom betrachtet. Wer so trauert, hat wohl gut gelebt.
Der sicher gedachte bürgerlicher Bildungskanon scheint kein unerschütterliches Fundament zu sein. Ging ich doch bis dato davon aus, dass der triebgesteuerte Apoll der Böse war.
Ob kunsttheoretisch Äpfel mit Äpfeln zu vergleichen von Belang ist, vermag ich nicht zu beurteilen. Bei Trübner und Henri Fantin-Latour fällt mir was auf.
Die Ausstellung Femme Fatale, ein Fanal in Hamburg ist ein Tribunal gegen die Freiheit der Kunst und ein Zeichen unserer Zeit. Ein Irrsinn in Anbetracht unserer Geschichte!
Die Kunst vor der Kunst war also Handwerk und hatte einen Zweck zu erfüllen. Erst in der Renaissance entwickelt sich der Typus des Künstlers.
Bei der Kunstbetrachtung geht man gern von der Einzigartigkeit einer Schöpfung aus. Viele Menschen empfinden sich auch so – also Einzigartig.
Fotografien mit Hund gibt es wie Sand am Meer. Immer wenn ein Motiv in der Gewöhnlichkeit zu versinken droht, sind die einzigartigen Werke eines Genres die Rettung.
Das Können, anders ausgedrückt – die Fähigkeit imstande zu sein etwas zu vollbringen – ist der Ausgangspunkt jeglicher Kunstfertigkeiten.
Sehnsucht und Melancholie sind zwei wichtige Aspekte, aber auch Haar und Hase in der Kunst sind nicht zu unterschätzen. Jedoch sind Sehnsucht und Melancholie wahrscheinlich die wichtigeren Impulse für die Produktion von Kunst.
Die Mensch-Vogel-Beziehung ist unzureichend erforscht. Aber allein die Interaktionen zwischen Mensch und Vogel lassen auf eine besondere Beziehung schließen.
Die Dorfkirche Hohen Viecheln ist unbedingt einen Besuch wert. In der gotischen Hallenkirche sind interessante Entdeckungen zu machen. Es erwarte Sie ein kunsthistorisches Sammelsurium der feinen ART.
Fazit aus dieser Bildanalyse: „Wer nichts weiss, macht sich selten etwas vor über seine Fähigkeiten, wer wenig weiss, hingegen schon.“
Die Kunst ist von einem Dazwischen geprägt, denn ohne Dualismus keine Struktur. Im 20-ten Jahrhundert werden stilistische Einordnungen aufgeweicht.
Ein Gemälde ist ein Gemälde und ein Porträt kann Bildnis sein oder lediglich ein Porträt-Gemälde ohne persönlichen Bezug. Es muss also nicht die Realität darstellen.
Warum sich Künstler auch heute gegen jede Art von Zensur wehren sollten. Und warum die Bildung nützlicher Ameisen offensichtlich versagt hat.
Ich finde es bedauerlich, das ein Kunstwissenschaftler, der auch unbequeme Themen mutig angeht, seine Arbeit mit leichtfertigem Populismus und unwissenschaftlichem Gehabe in Frage stellt.
Auch wenn wir heute Menschenraub verabscheuen und mit harten Strafen ahnden, für die Kunst konnte und kann es nicht dramatisch genug sein.
Bei dem Werk „Ländliches Konzert“ kann man durch die unterschiedlichsten Zuschreibungen ganz wirre im Kopf werden. Die erste Zuschreibung galt Giorgione.
Maler und Modell oder Modell und Maler was hat den größeren Einfluss auf Kunst und Kunstgeschichte? Eine Spekulation. Und was hat dies mit dem Vornamen einer Person zu tun.
Wundert man sich das Abendmahl im Rinnstein zu entdecken? Eigentlich nicht. Der Cranach auf dem Verteilerkasten ist jedoch Höhepunkt der Geschmacklosigkeit
Daher meine Überlegung, die Gemeinfreiheit, welche 70 Jahre nach dem Tod des Künstlers eintritt, zu relativieren. Da Kunstwerke, welche der Allgemeinheit gehören, also „Volkseigentum“ sind.
Kann die Natur in der zeitgenössischen Kunst zeitlos sein, oder muss sie zwingend einen Bezug zum hier und jetzt haben?
Vigée-Lebrun stellt sich nicht nur als selbstbewusste Malerin dar. Emanzipiert ist sie auch als Frau. In ihren Selbstporträts erkennt man Modernität
Ueschner steht nicht dazwischen. Essentiell ist für ihn die Malerei. Lebensinhalt. Existentiell sind seine aus diesem gelebten Malersein hervorgehenden Werke, so das sie mit ihm verschmelzen.
Ich flanierte durch die gelungene Max-Klinger-Ausstellung im Museum der bildenden Künste zu Leipzig und entdeckte ein, oder waren es gar zwei, Räume, in denen Erwerbungen aus der Zeit um 1900 ausgestellt waren.
Der Unterschiede zwischen Kunst und kochen besteht eventuell nur darin, dass man die Ergebnisse des Kochens nicht im Museum ausstellt. Aber auch dies stimmt nicht so richtig, wie Daniel Spoerri`s Werk beweist.
In Wien kann man vieles entdecken. Den Hasen von Dürer und Helena Fourment, die junge Frau Peter Paul Rubens, halb nackt, mit einem anzüglichen Pelzumhang dürftig bedeckt.
Dies hier soll meine Einführungsvorlesung und Ausstellung sein, denn – so Gott es gut mit uns meint – ziehen wir in wenigen Monaten für unser letztes Lebensdrittel endgültig nach Leipzig.
Die Neugotische Heilig-Kreuz-Kirche ist von außen auch wirklich nicht spektakulär, hat jedoch einen sehr angenehmen Innenraum. Wohnlichkeit dürfte zwar nicht der rechte Ausdruck für ein Gotteshaus sein, beschreibt aber gut mein Gefühl.
Anselm Feuerbach war also auch in Florenz und nicht nur in Rom, demnach musste er sich unweigerlich hier wie da mit Michelangelo beschäftigen denn an dem kommt da keiner vorbei.
Tizian ist schlechter oder besser als… könnte eine Frage sein. Mit dieser Überlegung wird es aber schon sehr speziell. Ja bei derartigen Berühmtheiten ungehörig, mag man meinen.
Das Modell für die sixtinische Madonna war eigentlich Raffaels Geliebte und die Tochter eines Bäckers. Nicht nur dies. Sie war auch ein Aktmodell. Und dies nicht nur bei ihrem Geliebten.
Jede Zeit hat ihre Bilder. Nicolas Lancret produzierte seine galanten Festlichkeiten, durchgeknallten Bälle und andere Festivitäten im Akkord. Der Betrachter wird schnell sehen, warum Watteau besser war.
Im Archäologisches Museum Iraklio auf der Insel Kreta stachen mir ihre Brüste ins Auge. Warum trägt Sie ein Kleidungsstück welches sie so – heute würde man obszön sagen – entblößt.
Die Infantilisierung der zeitgenössische Kunst ist in einem fortgeschrittenem Stadium angekommen. Malbücher für Erwachsene verkaufen sich besser als Literatur.
Cranach d.j. malt Joachim II Fürst von Brandenburg weil der Künstler oft ein Dienstleister und manchmal auch ein Opportunist ist aber trotzdem gute Bilder malt. Mit diesem Widerspruch muß man leben.
Man ahnt, fixiert von Miss Robinsons melancholischen Blick, welche Erniedrigung sie erfahren hat. Sie selbst ist es aber, die mit Ihrer Haltung und den subtilen Details, dem Betrachter ihre Misere mitteilt.
Plötzlich ist es da. Ein Raumschiff als Möhre. Diese mystische Möhre taucht in Thomas Gatzemeier`s Werken des Öfteren auf. Da Raumschiffe und Möhren Gegenstände sind.
Die Gemälde der Schule von Barbizon bereichern die Leipziger Sammlung enorm. Sie sind ein Glücksfall und eine Ergänzung der Werken der Niederländer und Romantiker.
Als alter Skeptiker dachte ich, man versuche mit allen Mitteln, und nun auch noch mit den Rückseitigen Ansichten der Gemälde, Aufmerksamkeit zu erheischen.
Ich behaupte, ein praktizierender Maler sieht Bilder grundsätzlich anders als jeder andere Besucher einer Ausstellung. Natürlich subjektiv und von seiner Kunst ausgehend.
Lochner´s Apostelmartyrien sind eine Graphic Novel des Mittelalters. Diese grandiose Bilderzählung ist Städel Museum zu Frankfurt zu finden.
Ich weiß, es ist nicht einfach. Meine Mutter hätte mich ohrfeigen sollen, als ich als fünfjähriger Bube wie angewurzelt vor der schlummernden Venus von Giorgione stand.
Wenn man davon ausgeht, dass Museen Orte der Identifikation sind, so hat sich die Galerie der neuen Monster in Dresden zu einem Ort der Entwurzelung entwickelt.
Wenn eine Kirche ohne Malerei auskommt, dann ist es die Kirche Ste-Marie-Madeleine von Vézelay. Ich weiß das klingt geschäftsschädigend. Macht aber nichts.
Immer häufiger werde ich gefragt: Wie male ich mit Ölfarbe in alter Technik ? Und hier folgt die Erklärung. Zuerst schauen wir mal weit zurück in die Werkstatt von Cranach.
Der Titel dieses Betrags – Rubens Einfluss auf die Moderne und mich – mag anmaßend klingen. Es ist jedoch für jeden Künstler wichtig, sich an Größerem zu messen.
Aufmerksamkeit ist ungerecht verteilt. Wird die Basilika Saint-Amable von Riom überall erwähnt, so fristet die Eglise Notre-Dame-du-Marthuret ein Mauerblümchendasein.
Das einfallende Licht erzeugt im Kirchenraum eine besondere Stimmung. Die Glasfenster streuen es warm und bereichern so das angenehme Raum- und Farbklima.
Uns sollte die Stadt zur Ruhe vor der Weiterreise dienen und war dann doch eine große Überraschung. Das Musée des Beaux-Arts in Lyon hat es durchaus in sich.
Kleine Schwestern haben es nicht leicht. Vor allem wenn sie fette Pickel im Gesicht tragen und sich nicht zu schminken verstehen. Leipzig ist schon aufgedonnert.
Alles hat seine Vergangenheit. Nicht nur der Mensch, sondern auch die Dinge, welche ihn umgeben. Vor allem aber die Gegenstände, die er selbst erschuf, erzählen Geschichten.
Der Betrachter eines Werkes sieht das Ergebnis eines Prozesses, aber er ahnt selten, welcher Aufwand hinter dem steckt, was er sieht. Ein Studiobesuch.
Eigentlich rettete der Pinguin das Bild. Er klärte die Verhältnisse am linken Rand. Ich neige zu ausgeglichenen Kompositionen und nenne diese Streukomposition.
Der Wert eines Wertpapiers ist manchmal nicht mehr der Rede wert, wenn die Wertschöpfung fehlt. Aber wertlose Aktien sind dann trotzdem nicht wertlos.
Otto Dix trifft Grünewald in Colmar, aber es wird ein holpriger Parcours mit ungeahnten Hindernissen. Die „moderne Kunst“, zu der Otto Dix wohl nicht zu zählen ist.
Diese Malereien gehören nicht in die Welt schriller Leuchtreklamen, dem Konsum exzessiven ART Fast Food. Sie suchen sich ihren eigenen Ort.
Das Verhältnis eines Gegenstands zu einem benachbarten ist nicht nur von dessen Beschaffenheit, sondern auch von seiner Stellung abhängig.
Es gibt immer Idealfälle im Leben. Davon sollte man jedoch nicht ausgehen. Oft wird es nötig, eine Entscheidung oder eine ganze Reihe dieser zu revidieren.
Wie uns ein Logarithmus die Kunst erklärt ist einfach herauszufinden, wenn man den Suchbegriff richtig eingibt. Aber was macht sie wirklich aus – die Kunst ?
Der Kunstmarkt ist unerbittlich aber leicht zu durchschauen, denn er ist lediglich ein unbedeutender Teil der kapitalistischen Marktwirtschaft.
Häufig steht die Behauptung im Ausstellungsraum, die Arbeit eines Künstlers sei einer Obsession geschuldet. Das kann so sein und ist eventuell auch nötig.
Selten hält man es durch, den Prozess einer „Bildwerdung“ zu dokumentieren. Hier eher die Realität meiner Arbeitsweise und nicht unbedingt deren Eleganz.
Man kann Auschwitz nicht abmalen“ sagt Gerhard Richter in einem Interview. Es ist seine Meinung und müsste daher „Ich kann Auschwitz nicht abmalen“ heißen.
Die Fragmentierung hebt die Geschlossenheit im Ganzen auf und öffnet damit den Horizont des Betrachters auf eine andere Wahrnehmungsstufe.
Ein wenig subversiv sollten die Künste schon sein. Scheinbar hat jedoch der Markt die Seele der Kunst längst aufgefressen und scheißt diese als infantilen Firlefanz aus.
Das Gewicht der Wolken und Leonardo da Vinci erklären uns die Welt. Eine kleine Abhandlung zu den Wolken in der Malerei anhand der Himmel in Umbrien.
Der Künstler als Unternehmer ist in Verruf geraten. Perugino war der erste Unternehmer im Bereich der bildenden Künste – behauptet die Kunstwissenschaft.
Ich freue mich, wenn ich bei derartigen Exkursionen auf lausige Bilder treffe. Freue mich, dass es auch in der Renaissance Loser unter den Kollegen gegeben hat.
Wenn die New Yorker Börse zittert, wackelt die Finanzwelt. Die Museen haben imposanteste Werke und davon sehr viele. Darunter bedeutende „Weltmeisterbilder“
Viel gibt es über Augustusburg zu berichten, aber ohne Zweifel beeindruckten mich die Bildwerke von Lukas Cranach. 450 Jahre überstand das Bild trotz Klima etc.
Allegorien sind im Gegensatz zu Symbolen ein intellektuelles Mittel um Dinge und Gegebenheiten zu umschreiben oder ihnen eine besondere Bedeutung zu verleihen.
Im Ausstellungshaus wies die Aufsicht den Weg in die obere Etage, in der die Frühwerke Bramantinos hingen. Ich war angetan. Sollte es so bleiben?
Am Ende des vergangenen Jahrtausends geriet ich in Köln in eine Ausstellung. Sie war eine Behauptung. Die „Moderne“ hatte ein Ende gefunden. Niemand merkte es.
Die schönste Arbeit war jedoch die Produktion großer Werbewände für Kinos. Anhand von Stills konnte man ohne weitere Vorgaben opulente Gemälde gestalten.
Von Sehnsucht nach dem Meer getrieben, fand ich eine Webcam im weltweiten Netz die mir zu jeder Uhr- und Jahreszeit ein Stück Ostsee darbot.
Hunderte Jahre war das Problem des Schamhaars in der Kunst kein Thema. Aber heute, wo wir im Begriff sind, die Zivilisation auszulöschen, scheint es über allem zu stehen.
Und ich werde bald mehr R-Klassen besitzen, als es allgemein üblich ist. Sie denken sicher – Erinnern sie sich nicht, dass ich letztens über mein Dilemma schrieb, die Akte.
Da mir danach ist, trinke ich, um locker zu bleiben, Wodka-Cola und lediglich das Rechtschreibprogramm ermöglicht es, das diese Zeilen an dich lesbar bleiben.
Ein Werk gegen das Vergessen, keine Betroffenheitsstudie, vielmehr ein in seiner Bewegungslosigkeit überzeitliches memento mori, für die Opfer der Gewalt in unserem Jahrhundert.
Gatzemeier sieht sich in einer langen Tradition, die von Giorgio Vasari über die Geburt der Kunsttheorie bis zu den Manifesten der Surrealisten reicht.
Die Texte auf dieser Seite bilden einen Gegenentwurf zu einem Feuilleton, das an vielen Stellen verflacht, Trends hinterherläuft und die konfliktreiche Tiefe der Kunst scheut. Dass dieser Ansatz gebraucht wird, zeigen die stetig wachsenden Zugriffszahlen: Leserinnen und Leser suchen wieder Stimmen, die Kunst aus Erfahrung, aus Widerspruch und aus der eigenen Praxis heraus beschreiben. Genau das leistet dieser Blog – er führt zurück zu einem Denken über Kunst, das sich nicht in akademischen Routinen erschöpft, sondern die lebendige Spannung zwischen Tradition und Gegenwart offenlegt.
Wer Kunst nicht nur erklärt, sondern verstehen will, findet hier Texte, die den Blick schärfen und die alten Fragen neu stellen.
Ein besonderes Thema ist für Thomas Gatzemeier Lucas Cranach
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